Приглашаем всех, кто будет В Нью-Йорке с 4 и 10 декабря на наши праздничные вечера.
Да, в этот раз мы проводим два праздничных вечера и в течении всей недели арт-выставку Play Your Part (Tenri, Japan Culture Center, 43 W 13th St, New York)
Для обоих вечеров, помимо великолепной выставки картин, мы приготовили множество приятных вещей и сюрпризов. Все продумано до мельчайших деталей, ничего случайного, но тем не менее все непринужденно и “запросто”, как в гостях у близких друзей.
Элегантный фуршет, веселый маскарад, модное дефиле и восхитительный концерт.
И главное – все в свое время!
*
Читайте внимательно:
4 декабря (6-8pm) состоится открытие выставки, премьера коллекции вечерних платьев от Ольги Банарцевой, в обрамлении новых украшений от Киры Коктыш, Владимира Деминга, Виктории Рахманской.
А тек же, премьера – поэма Натальи Ньюман, посвященная теме выставки Play your Part.
И Маскарад!
10 декабря (7-9pm) закрытие выставки, и другие праздничные события, будут отмечены элегантным концертом, изысканными угощениями, сногсшибательными дизайнерскими работами, не говоря о том, что в этот раз, вас ждем совершенно бесподобная арт-выставка! Но о выставке мы расскажем подробней чуть ниже.
10 декабря, в программе концерта (8:15-9pm) прозвучат фортепьянные пьесы, вокальные композиции и арии французских, русских, венгерских и американских композиторов.
Исполнители:
Larissa Grabois, vocal, piano,
Eleanor Osmanoff, piano,
Noko Znahar – vocal,
Ivan Filipchyk -piano, accordion
Не забывайте, мы приглашаем вас в гости в начале декабря, а это значит – мы откроем предпраздничный марафон и тем самым даем нашим гостям счастливую возможность порадовать себя и своих близких оригинальными подарками и обновками. Все что вы увидите в этот вечер: картины, дизайнерские украшения, вечерние наряды, можно приобрести, причем со значительной скидкой относительно обычной цены.
Да, вы правильно поняли: все выставленные в галерее произведения искусства можно будит не просто увидеть, но и выбрать для себя что-то свое, самое привлекательное и милое сердцу и … стать его обладателем! Вспомните это детское наивное чувство, которое охватывало вас в музее: “эх, жили же люди, мне бы такое украшение или шаль, или картину на стену в мою гостиную”. Так вот – мечты сбываются, вы можете позволить себе все что увидеть на выставке, тем самым, наполнив свою жизнь красотой, удовольствием и хорошим настроением!
*
Арт Альянс надеется этой выставкой запустить импульс активного, насыщенного и радостного настроения, которое позволит каждому достойно сыграть свою роль в праздничном карнавале жизни, насладиться тем, что нас окружает, и главное, почувствовать, что наши роли не навязаны извне, а органичны, и мы справляемся с ними блестяще.
В праздничной атмосфере выставки будут представлены произведения современного искусства известных американских и восточноевропейских художников. Новаторская техника и традиционная живопись, яркие натюрморты и пейзажи, оригинальные портреты, зеркальные картины, приглашающие гостей стать частью произведения искусства, китайский рисунок и графика в стиле японских гравюр.
Работы участников разнятся по стилю, технике и концепции. Но сами художники схожи в своем страстном стремлении передать через призму глубоко личного восприятия весь спектр разнообразия мира, наполненного яркими эмоция, необузданными фантазий и невероятными идеями.
А теперь, Художники о себе и арт-критики о Художниках:
Alex AG: фотохудожник из Нью-Йорка. Работы Алекса, так же как и телепрограмма о фотографии, которую он ведет, сфокусированы на экспериментальной фотографии. Он уверен, что именно сейчас происходят процессы, которые в будущем будут считаться поворотным моментом в этой форме искусства. Работа Алекса в равной мере основывается на опыте, собранном за вековую историю фотографии, и новых возможностях и формах, появившихся в наше время. Алекс считает своей задачей находиться на передовой этих изменений в своих работах и теоретических исследованиях.
В этом году Алекс выпустил несколько новых коллекций. В 2019-м году были созданы серии, сфокусированные на концепции, смысл которой шире охвата одной работы. Самые интересные из этих коллекций включают: Children of The Summer (“Дети Лета”) – серия, исследующая процесс взросления и адаптации к изменения в мире; Elements (“Стихии”) – работы, посвященные сути алхимических элементов; Yoga (“Йога”) – серия, объединяющая пейзажи с позами, характерными для практики йоги.
Для этих коллекций характерны яркие цвета, серьезная объединяющая идея, зачастую переданная при помощи малозаметных деталей, в сочетании создающих сложную повествовательную компоненту его работ.
В сравнении с ранними коллекциями, в основном посвященными архитектурным пейзажам, новые серии фокусируются вокруг истории Человека, иногда простой, а зачастую, многогранной и открытой для интерпретации.
Фотографии, используемые для этих работ, включают снимки, сделанные в студийной среде специально для этих коллекций, или уличную фотографию – первый жанр, которым Алекс заинтересовался в фотографии.
Olga Banartsev: «Cамое интересное для меня – искать новые идеи и новые формы. Это неиссякаемый творческий процесс. Когда я работаю над дизайном, то всегда представляю, как будет выглядеть платье в движении. Мне очень важно, чтобы ткань красиво взаимодействовала с пространством, и не важно, будет его обладательница танцевать «до упаду» или гордо сопровождать супруга на официальном приеме. Она должна в любой ситуации чувствовать себя уверенно и красиво, а ткань и структура платья должны ей в этом помогать».
Armine Bozhko: Мои картины основаны не на каком-то определенном месте или моменте, а на ностальгическом чувстве протекающего времени, на мечте. Эта мечта для меня – абстрактное измерение, лишенное времени, места, дистанции.
Мы все воспринимаем мир через призму нашего эмоционального опыта и зачастую ассоциируем определенное место с особенным чувством, которое мы когда-то испытывали. Наш взгляд на мир вокруг нас всегда окрашен этими чувствами они уникальны для каждого человека. Таким образом, мои работы – скорее отражение моего эмоционального состояния, нежели описание конкретного места.
Цвет всегда был мне очень интересен, и все мое творчество сфокусировано на его изучении и исследовании. Цвет может сразу дотронуться до нашей души. Он влияет на наше эмоциональное ощущение искусства и позволяет художнику расположить зрителя к именно тем чувствам, которые он вложил в эту работу.
Vladimir Deming: “Когда я делал дизайн этой коллекции, моя цель была сделать уникальные, несколько театрализованного типа, ювелирные изделия. Моё мнение состоит в том, что необходимо, чтобы ювелирные изделия не только дополняли одежду, но и акцентировали её стиль.
В моей работе я стараюсь выявить внутреннюю красоту материалов, которые я использую. Кроме того, лаконичность дизайна, комбинация материалов, пропорции, классическое, контрастное сочетание цветов даёт в результате специфический, узнаваемый стиль моих работ.
Такой тип ювелирных изделий называется Артистичные Ювелирные Изделия, но я предпочитаю называть мои работы Декоративные Ювелирные Изделия, потому что они декорируют одежду.
Моё глубокое убеждение состоит в том, что использование недорогих искусственных и природных материалов дают дизайнеру гораздо больше свободы творчества для возможности создавать красивые ювелирные изделия, чем использование драгоценных металлов и камней, которые лимитируют творчество дизайнера из-за высокой стоимости.
Ценность дизайнерского творчества в самом дизайне – не в материале, из которого сделано изделие. Знаменитая живопись, стоящая миллионы долларов была написана на простом холсте обыкновенными красками, стоимость которых гораздо меньше стоимости материалов, которые я использую. Это значит, что стоимость дизайнерских ювелирных изделий не должна зависеть от цены материала, а только от фантазии дизайнера и качества исполнения изделия.
Я сделал дизайн этой коллекции для тех, кто хочет выглядеть элегантно, неординарно, добавить художественный акцент к одежде и привлечь внимание окружающих.
Elena Dobrovolskaya: “Прежде всего хочу отметить, что я реалист. Это значит, что я пишу и рисую реальные объекты и людей, которые меня окружают. Я знаю, что я плыву против течения, потому что главную роль сейчас играют абстрактное и воображаемое искусство, что печально.
Я бы хотела сказать:”Пожалуйста, посмотрите вокруг! Ведь так много прекрасных вещей в нашей жизни (реальности), вам нужно только заметить их”.Но не каждый это может. Отсюда задача художника – заметить и показать другим, добавив чуть-чуть своего видения. В этом “чуть-чуть” заключена вся жизнь художника, его мысли, его жизненный опыт, его вкус и его взгляд. В результате реальный образ выглядит по-разному в картинах разных художников.
Когда я была директором туристической компании несколько лет назад, наш девиз был “Красота в деталях”. Сейчас я могу повторить это как мое артистическое кредо.
Когда я начала писать маслом, я начала с натюрмортов. Я люблю сочинять композиции из фруктов, цветов и предметов, чтобы исследовать красоту цветовых сочетаний и наблюдать игру форм, света и тени. Я все еще делаю это время от времени, но сейчас я сконцентрирована на портретной живописи. Я верю, что на свете нет ничего интереснее человеческого лица. Это всегда характер и история жизни, что чудесно и увлекательно!
Когда люди смотрят на мои портреты, они обычно говорят что-то про сходство с Гогеном или Ван-Гогом, может быть, из-за моей цветовой палитры. Но я бы хотела сказать, что я черпаю вдохновение, глядя на портреты немецких художников конца 15-го века, таких как Ханс Мемлинг, мой любимый, Альбрехт Дюрер, Ханс Гольбейн Старший и других. Они принадлежат к периоду Северного Возрождения. Их работы обладают элегантной простотой (кстати, обманчивой), красивым четким силуэтом на однотонном фоне, триумфом и доминантой Ее Величества Линии, вот почему они выглядят больше, как графические работы, нежели как масляная живопись. Мне это нравится, рисунок сам по себе очень важен для меня тоже, потому что я начинала как график и перенесла это в живопись. Возвращаюсь к старым немецким мастерам – все внимание на их портретах сосредоточено на лице и руках, остальное не так важно. И главное для меня – невероятная красота их цветовых сочетаний!
О, этот глубокий синий и зеленый цвет Гольбейновских фонов! Или кроваво-красный цвет Дюрера? И всегда в комбинации с черным. Их умение использовать всего два-три цвета в картине пленительно и мощно. Это немедленно притягивает взгляд зрителя из любого угла комнаты, где бы он ни находился, но когда тот подходит к портрету, привлеченный цветом, он видит только лицо, все остальное гаснет. Вот это Мастерство!
Я не надеюсь даже приблизиться к такому уровню, но они очень вдохновляют меня. В моих портретах я тоже стараюсь использовать только два основных цвета, помимо телесного, который светится на их фоне. Я также люблю использовать классические позы для моих моделей, но вместе с яркой цветовой палитрой это смотрится довольно современно в результате.
Miroslav Duzinkevich. Пастораль, арлекиниада, натюрморт – это главные темы работ Miroslav Duzinkevich. Работы сделаны мастером изысканно, сущностно, а вместе с тем и в какой-то особенной личностной рациональной манере. В каждой картине, кажется, конденсируется продолжительная живописная культура и традиция. Этому способствует и особенная выдержка, строгий отбор, винтажность живописной манеры, которая базируется то на традициях Ренессанса, то классицизма, то венской сецессии. Каждая его работа – это «созвездие знаков», открытое для созерцания, и это «созвездие» живет в пространстве работы, в тонком замысле, а взвешенное сочетание элементов постоянно изменяет и обогащает образ в сторону поэтических аллегорий. Мирослав старается избегать любых сравнений со стилями прошлого, попадая в тайные и непостижимые уголки воображения, которые не приводят к конфликту с миром.
Его стиль передает ожидание, неспокойную эмоциональную статику, поглощение художественной чувствительностью всех внешних обстоятельств бытия. Художник всегда работает над цепью созвучий, визуальных аналогий, которые полностью освобождают изображение, очищают его до уровня бытия идей.
Vasyl Kadar представитель молодого поколения Закарпатской школы искусства, которая определяется синтезом преобразования народных традиций, определенной цветовой культурой и ассоциативностью образного мышления. Художник верен классическим принципам искусства, как средства самовыражения, где свет и цвет – основополагающие помогающие воссоздать индивидуальное переживание восприятия мира вокруг.
Marina Kalinovsky: “Музей был нашим вторым домом. Это полуразрушенное зачарованное место с греческими амфорами и средневековыми доспехами, наверно, все еще находит изображение во многих моих картинах и рисунках. Эти изображения приходят из прошлого, из тоски и воспоминаний, они вызваны сочетанием цветов или красоты жеста. В повседневной жизни есть скрытая магия. Так как в каждом изображении есть отражения, их можно срывать по слоям. Во время студенчества моим вдохновением была Людмила Куценко, великолепный художник и очень требовательный педагог. Ее философией была честность и преданность искусству, невзирая на обстоятельства. Талантливые и преданные искусству люди, с которыми мне посчастливилось встретиться в жизни (включая моего мужа) были, наверно, самые большие вдохновения для меня.”
Kira Koktysh. Работы представленные на выставке продолжают ювелирные коллекции автора «Mushrooms – Another Kind of Fruit», «Хозяйка Медной Горы» и «Поэзия без слов».
Выполненные на рисовой бумаге и шелке в монохромной гамме в технике китайской живописи Се-И (Xieyi freehand ) они передают чувства и эмоции художника. Сделанные на одном дыхании они очень выразительны и невероятно искренни. Лаконичность и спонтанность рисунка выражает сущность предмета и призывает зрителя домыслить то, что «недосказал» автор.
Yelena Lezhen: “Я помню, как Стив Джобс сравнил течение жизни с соединением вершин математического графа в своем выступлении в Стэнфорде. Согласно Джобсу, наша жизнь может рассматриваться, как головоломка, которая связывает чувства, эмоции и поступки. Да, мы проходим через загадку жизни, принимая решения и делая последующие шаги, однако процесс нашей жизни отличается от навигации по головоломке. Не существует заранее определенного пути, гарантирующего «успешное» завершение. Наша жизнь – это хаотический процесс, в котором мы выбираем следующий шаг в бесконечном пространстве возможностей.
Художественный процесс, через который я прохожу, создавая свои картины, похож на построение головоломки. Моя “художественная головоломка” происходит в пространстве воображаемых образов, воспоминаний и эмоций, которые я испытываю в данный момент. Я скорее пытаюсь построить головоломку, чем решить ее. Но в то же время я делаю шаги и к ее разрешению, отражая в своих работах свои чувства и убеждения с помощью художественных средств, имеющихся в моем распоряжении. Пытаясь отразить загадку жизни на холсте, я в конечном счёте – сознательно или нет – движима реальностью, в которой мы живём. Эта реальность в отличие от даже очень сложной головоломки продолжает озадачивать нас всех своим бесконечным разнообразием.”
Lidia Mikhaylova: “2019-го года была самой счастливой осенью в моей жизни. У моего искусства появилась возможность отправиться в путешествие через океан и быть увиденным глазами американских зрителей. Серия “Моя Сладкая Осень” о наслаждении переменами и предвкушении перевоплощения. Мои новые работы наполнены игривым настроением, они полны сочного вкуса, но с оттенком ностальгии. Это похоже на то, как влюбляться в кого-то или во что-то новое, неизведанное, осознавая, что твоя жизнь вот-вот полностью изменится.”
Anna Miklashevich: “Когда я приступаю к новой работе, я не начинаю с идеи или формы. В первую очередь я вижу свет будущей картины. Я обычно представляю два цвета которые объединятся на границе контраста и создадут ощущение картины. У меня нет амбиций рисовать портреты настоящих людей и описывать их внешность. Мне интересны их внутренние характерные черты, и я выбираю одну из них и описываю яркими цветами, широкими мазками и контрастом, чтобы выставить те вещи, которые я увидела и нашла в них. И обожаю контрасты, потому что они, как кирпичи, которыми человеческие жизни строятся. Отчасти поэтому я чаще всего рисую портреты женщин. Я понимаю женский характер лучше (я надеюсь) и считаю, что женщины сложные и загадочные для такого исследования. Мое внутреннее состояние меняется несколько раз, пока я рисую. Достоинство, свобода, гордость, сила зрения, яркости, интуиции, внутренних ощущений и тд. Все эти темы меня затрагивают и провоцируют на проявление их на холсте.”
Olga Nenazhivina: “Все мои рисунки вместе – это один большой рисунок, размеров в целую жизнь, а я никогда не прекращала работу над ним. Ты просыпаешься, и все твои действия направлены на то что бы сесть за стол и продолжить работу.
Перед началом каждой новой, я кладу перед собой чистый лист и стараюсь понять его: почувствовать фактуру, характер, выбираю сторону, ту что подойдёт. Работа над картиной, это как отношения между людьми, для одной достаточно недели, а другой не хватит и вечности.”
Petro Smetana. Живописные работы Сметаны вызывают сложные чувства, его картины привлекает, но и раздражает. Определенно, они поражают и восхищают своей непохожестью на популярное у художников пристрастие к красивости.
Искусствовед Дмитро Корсунь говорит: “Он рисует только то что осталось у него в воспоминаниях, то что больше чем фрагмент времени и пространства. В картинах Сметаны запечатлен мир на пороге разрушения….
Художник не закрывает глаз на вещи, казалось бы, недостойные искусства. Окраины заводов, барачные пригород, неровные дороги, грубая кухонная посуда в натюрмортах. Все это тревожно нереальное. Но художник не желает закрывать глаза на то, что принято считать недостойным искусства – бетонные ограждения, копоть безлюдных промышленных зон, сажу, всякий жизненный хлам. Когда живописец об этом размышляет – объекты становятся золотым материалом для искусства.”
Его работы невозможно классифицировать – это не абстрактная, но и не фигуративная живопись. Одновременно, он кажется абстрактным художником чутко чувствующим физический мир, и в тоже время фигуративным, мастерски владеющим техникой этого вида изобразительного искусства.
Как настоящий, требовательный художник, Сметана ищет свой путь. Отличительная черта его картин – это их постепенное проявление с каждым рельефным мазком естественного и неестественного цвета которые он часта наносит шпателем, лопаткой и мастерком. Краски приятны открывают тонкую модуляцию, разнообразие и инстинкт к балансу.
Viktoriya Rakhmanova: “Мне очень нравится работать с натуральными камнями, дикими, необработанными, без огранки. Они живые, дышат природой. Еще я люблю использовать в своих изделиях друзы – эти минералы с наросшими кристаллами всегда смотрятся волшебно. Использую кристаллы Сваровски, чешские бусины и японский бисер. Очень нравится работать с трунцалом и канителью – эта проволока относится к золотому шитью, ее корни уходят в Византийскую культуру.”
Ruslan Tremba: «В своих работах я использую зеркальные краски и металлическую фольгу. Благодаря зеркальной поверхности зритель имеет возможность видеть себя, свое отражение в работе. Таким образом он сам становится частью работы, он присутствует в моих пейзажах, тем самым преображая и персонализируя их. Я это называю “ Мой реализм” – реализм присутствия.Благодаря однотонным минимализским поверхностям работы, я стараюсь передать Спокойствие и Тишину, которую порой трудно заметить. Я стараюсь зрителя затащить в ту минуту, когда это состояние тишины происходит. Именно этого я стремился достичь в таких работах как Туман, У Озера, Серебряный лес.”
Куратор – Татьяна Бородина.
